Especial Espumillón Musical

Última edición de La Pollería del año 2010. en clave musical y navideña.
Feliz año a todos/as.
Gracias por seguir y estar ahí!!!!

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Toma y daca navideño en Sateli3

Canciones o, más bien, piezas instrumentales de jazz y otras cosas, para celebrar, ya, la noche del día 24. Por mi parte, destacaré a California Honeydrops, Oscar Peterson, Modern Jazz Quartet, Nina Simone y Dña.Concha Piquer. Sonaron también por parte de Bruno Freire: Gasteiz Big Band, The Jolly Boys, Artie Shaw, Fred Astaire, Eddie Condon, The Atomic Fireballs y 17 Hippies. Y puso el dulce al menú navideño SeveFunk con: Kenny Dorham, Walter Bishop Junior y Machito.

Sateli 3 - Toma y daca navideño a 3 bandas con Bruno Freire y Sevefunk!! - 24/12/10

Entrevista a Willy Fuego, homenaje a Morente y cuestión de método.

Con motivo de la celebración en Madrid de "Las Nits de la Kasbah" hemos hablado con Willy Fuego de su proyecto en solitario, que no en soledad, ya que se rodea de varios amigos músicos. Hemos recordado al maestro Enrique Morente, y Yiquiú nos ha contado la experiencia metodista vivida en su reciente viaje por los EEUU.
Sonaron en el programa: Enrique Morente, Banda Achilifunk y Willy Fuego.


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Charla con El Tío Carlos y visita al Planet Babylon

Tras muchos meses de espera, por fin hemos podido hablar con Carlos "El Payo Ye-ye" sobre el estreno del segundo álbum de El Tío Carlos: "Entra". Pero no sóo eso, también hemos vuelto a visitar el Planet Babylon todos los viernes a de 00:30 a 05:30 en La Sala Caracol) para hacer balance de estos meses y hablar de la fiesta fin de año del próximo viernes 17 de diciembre. Si quieres acudir, mándanos un mail con tu nombre y apellidos y coseguirás una entrada: la_polleria@yahoo.es
Sonaron en el programa: The Golden Toadstools, El Tio Carlos y Gasteiz Big Band.
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En Sateli3 de Radio 3 junto a Hyperpotamus.

El pasado día 8 de diciembre tuvimos el placer de volver al Satélite a saldar una deuda que teníamos pendiente desde hacía algún tiempo. Acompañados de uno de nuestros artistas preferidos, y una de las apuestas musicales de La Pollería( fuimos el primer programa que le tuvo en directo) realizamos una sesión radiofónica llena de magia. Aquí os dejamos el podcast para que los disfrutéis.

Sateli 3 - Actuación en directo y en exclusiva del genio del bucle ó loop - 09/12/10

CHARLIE WINSTON. "HOBO"

Charlie Winston
“Hobo”
Real World 2009
Hobo es el primer álbum en solitario, que no debut discográfico, del británico Charlie Winston. Anteriormente ya había publicado otro trabajo auto editado: Make Way 2007, que le llevó a actuar junto al capo del sello Real World: Peter Gabriel, que decidió ficharle y editarle este disco que nos traemos entre manos.
Hobo ha conseguido desde que se publicara en noviembre de 2009 la difícil cifra, en estos días sobre todo, de 300.000 copias vendidas con el consiguiente disco de platino, y su autor, ser galardonado con el premio al mejor artista británico en Europa por la European Border Breaker Award.
Cuando uno se enfrenta a trabajos con semejante carta de presentación, siempre le surge la duda de si es realmente un buen proyecto, o es humo lo que nos venden. En el caso de Hobo, es realmente un disco digno de mención favorable.
Este primer trabajo en solitario de Mr. Winston (como él se llama) camina sobre los firmes cimientos del Rythm and Blues, Soul, Folk, Rock y hasta de ecos pop en alguna pieza, apoyado en las solventes suelas de la producción y mimo que Real World imprime en sus álbumes. Tanto a nivel de sonido, el álbum suena extraordinariamente, como a nivel de arreglos que van desde la orquestación sublime hasta el minimalismo en ciertos cortes, e incluso hasta el diseño, están muy trabajados y cuidados en este disco. Pero como no todo el monte es orégano, hechos estos merecidos halagos, vayamos a la parte mejorable del álbum, que no es la obra sublime de Charlie Winston ya que por juventud, voz e inquietud, está por llegar. Hobo arranca con In Your Hands, Like a Hobo y Kick The Bucket, tres cortes que hacen que uno entre en un estado de ánimo y agitación que se ve truncado y roto con la entrada de la melosa armonía de I Love Your Smile a la que se suman My Life as a Duck, Boxes y Calling Me. Con Tongue Tied y hasta Generation Spent se recupera el excitante tempo e intensidad del arranque, para acabar, y ahora sí que entran bien los temas más suaves, de forma muy notable con Every Step y My Name. Con esto no quiero decir que dichos cortes carezcan de calidad o sean malos, sino que el orden de selección no resulta el más adecuado ni acertado para el oyente.
Hechas todas estas apreciaciones por mi parte, que cada cual escuche y opine lo que guste, que para eso está la música.//
PUBLICADO EN LA REVISTA DIGITAL B!RITMOS POR BRUNO FREIRE LEÓN

ESPECIAL MUSICAL

Edición especial musical de La Pollería. Utilizando nuestra estructura habitual de magazine, hemos compuesto esta nueva entrega de músicas a partir de las secciones que ya conocéis: novedades, fondo de armario, enclaves, instrumentando, cuestión de estilo etc. Sonaron en este especial musical:
The Liberators, El Tío Carlos, O´questrada, Quantic presenta Flowering Inferno, Harold Jackson & The Jakcson Brothers, Mandingo, Bassekou Kouyate & N´Goni Ba, Compay Quinto, Color Humano y De Pedro.
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HYPERPOTAMUS. Largo Bailón

Hyperpotamus
Largo Bailón
Auto producido 2009
Largo Bailón es el debut discográfico del proyecto en solitario que, bajo el nombre de Hyperpotamus, Jorge Ramírez-Escudero inició hace dos años aproximadamente. Años estos en los que el artista no ha parado de actuar por diferentes salas y festivales, haciéndole valedor de un nombre y un reconocimiento como una de las propuestas musicales más interesantes de la escena musical madrileña.
Largo Bailón es un disco de una honestidad total. Lo que escuchas es lo que es. No hay ni trampa ni cartón, no hay efectos ni retoques informáticos, lo único que uno va a encontrarse en este disco es el instrumento más natural que existe, la voz humana. El álbum es un ensamblaje vocal de doce canciones, compuestas y grabadas como si de una banda al uso se tratara, pero donde el único instrumento que suena es la voz. No faltan bajos, no faltan bases rítmicas y percutivas, y por supuesto no faltan coros, solo que en este caso es un coro de uno aunque en muchos momentos suene como una auténtica formación coral. De esta guisa y con esta propuesta, Hyperpotamus nos invita a introducirnos en un mundo onírico lleno de matices, detalles y sorpresas en el que dejarse llevar. Largo Bailón es un viaje sensorial a diferentes sonoridades, tiempos y atmósferas. Desde temas bailables como Dinamo Dominó o Toy Soldier´s Day Off, a auténticas piezas del rock sinfónico y psicodélico de los 70 como Tuercas de Color, A Melancholy Hyppo o Wreck Divine, pasando a la vez a cortes con melodías de auténtica influencia Beatle, como sucede en la preciosa Sunshine Juice. Pero a pesar de las influencias apreciables en el disco, cabe reseñar el estilo propio de Hyperpotamus en temas como Peloto, The Early Bird Catches a Cold, Nothing is Worth Running For, it´s All a Lie, con mantra tibetano incluido, o uno de los temas más destacados del disco como es The Unhappy Hedonist.
Sin lugar a dudas me atrevo a asegurar, aún a condición de equivocarme, que nos encontramos ante uno de los discos más originales y sorprendentes de este año. Ahora bien, oídos no avezados en la materia lo mismo lo tengan difícil para hacer una escucha de principio a fin de todo el disco, ya que a pesar de la calidad indiscutible que tiene, no es de fácil escucha para gente no ducha en la materia. http://www.myspace.com/hyperpotamus
Publicado en la revista digital B!ritmos por Bruno Freire León

Entrevista a O´Sister, jazz primigenio y Polleros Viajeros desde NYC

En nuestra última edición de La Pollería tuvimos el placer de charlar con Matías, guitarrista del grupo de dixie y swing sevillano: O ´Sister. Yiquiú nos habló de la tradición del día de acción de gracias desde Nueva York, tuvimos Polletín, Paco Monotoyah ha dado señales de vida pero sigue sin salir en antena, y en lo musical escuchamos jazz primigenio como: Eddie Condon & George Wettling, Lucky Millinder Orchestra with Rosseta Tharpe, O´Sister, Muggsy Spanier, Cab Calloway y Bebo Best & the Super Lounge Orchestra.
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AfroCubism

VV.AA
“ AfroCubism”
World Circuit/ Nuevos Medios

Catorce años después de Buena Vista Social Club, el sueño que tenía Nick Gold, dueño del sello World Circuit, por fin se hace realidad. La idea original hace ya más de una década era propiciar un encuentro entre músicos de Santiago de Cuba y de Malí, pero cuestiones de visados, burocráticas y de intendencia impidieron que los músicos africanos llegaran a la isla, por lo que Gold, junto a Ry Cooder, se vieron obligados a cambiar de guión y parir aquel maravilloso álbum que fue Buena Vista Social Club.
Esta vez la cita era en los estudios Sonoland de Madrid, y sí han podido acudir al evento y grabar este disco, tanto el santiaguero Eliades Ochoa junto a su banda, como los malienses Toumani Diabaté, Bassekou Kouyaté o Kasse Mady Diabaté entre otros.
Eliades Ochoa aporta voz y su ya famosa guitarra guajira al retomado proyecto, Toumani Diabaté vuelve a demostrar por qué se le ha nombrado el rey de la kora; al n'goni, Bassekou Kouyaté hace lo propio; el cantante Kasse Mady Diabaté también se apuntó al encuentro así como el guitarrista Djelimady Tounkara o Lassana Diabaté con el bala.
El disco es una combinación de temas instrumentales y vocales tanto africanos como cubanos, que capturan la esencia de la música guajira, afrocubana y maliense. Supone un excitante rompecabezas donde los sonidos de África se encuentran, o reencuentran según se mire, con los sonidos cubanos.
Canciones, instrumentación y solos van sucediéndose a lo largo de AfroCubism para contarnos como la música nació en África, viajó a Cuba donde creció y se desarrolló para luego regresar a países como Senegal o el Congo, con esa rumba jazz que tanto tiene de cubano, a la par que lo cubano tiene en origen de africano. N´gonis donde normalmente se esperan treses, protagonismo de balafones , solos de guitarra eléctrica que remiten al Sahara o voces de griots se entrecruzan poniendo de relieve como el blues, ya sea norteamericano o africano, el son cubano, la guajira y otros estilos propiamente africanos tienen en algún lugar de la evolución un ancestro común.
AfroCubism supone casi el cierre de un viaje de ida y vuelta. Aquel que por la fuerza comenzó con la esclavitud, llevando al continente americano toda una serie de elementos culturales que una vez allí, generó en ritmos nuevos que parten de los propios.
PUBLICADO EN LA REVISTA DIGITAL B!RITMOS POR BRUNO FREIRE LEÓN

Chucho Valdes & The Afro-Cuban Messengers

Chucho Valdes & The afro-Cuban Messengers
“Chucho´s Steps”
World Village/ Harmonia Mundi

Nuevo trabajo del enorme compositor y uno de los mejores pianistas del mundo sin lugar a dudas. Antes de iniciar incluso la escucha del disco, uno ya se percata de por dónde pueden ir los tiros, ya que en un claro guiño a los Jazz Messengers, nombre de la banda del batería Art Blakey, el músico cubano ha bautizado a sus nuevos compañeros de viaje como los Afro-Cuban Messengers.
Chucho´s Steps supone un pequeño cambio de rumbo en la grandiosa trayectoria del pianista. Esto no implica en absoluto ni incoherencia, ni que el disco no esté ligado a sus anteriores trabajos. Es una vuelta de tuerca de un artista ya septuagenario, que sigue manteniendo toda la inquietud y creatividad que de un músico de su talla se espera. Muchos a su edad se dedican a vivir de los réditos obtenidos y a grabar refritos de sus temas, best of, standarts o versiones, pero no es el caso de un Chucho, que está casi más vivo que nunca. El nuevo álbum que nos entrega el señor Valdes, además de contar con material totalmente nuevo, es una intersección de las tradiciones jazzísticas, tanto americana como afrocubana. Esas que una vez se dieron la manos en la década de los 60 y ya nunca más se soltaron.
Chucho’s Steps aborda con un estilo vertiginoso y una hermosa complejidad diversas formas del jazz contemporáneo: hard bop, free jazz o jazz modal, a la que hay que incluir música ritual afrocubana y hasta de Nueva Orleáns, en una canción que homenajea a la familia Marsalis, una de las más influyentes del jazz actual. Pero como no, todo ello bañado con el ritmo, la cadencia y la sabrosura que sólo los cubanos son capaces de imprimir en cualquier estilo que toquen. En definitiva, que Chucho Valdes sigue revolucionando el llamado latin jazz, treinta y tantos años después de que ya lo hiciera con los míticos Irakere. Lección de clase, estilo, virtuosismo y grandeza.
PUBLICADO EN LA REVISTA DIGITAL b!RITMOS POR BRUNO FREIRE LEÓN

Especial Steel Bands. Welcome Radio Enlace

Primer programa en nuestra nueva andadura en las ondas de Radio Enlace. Para la ocasión, tuvimos una nueva edición de Pollideros de la mano de Tato Ortenzi, que nos sorpendió y acercó al desconoci...do e interesante mundo de las Steel Bands. Tuvimos como no Polletín, rastaMan sigue en su línea de una noticia por programa, y de Paco Montoyah nos llegan noticias de que quiere hacer un programa de reggae en Radio vallekas...
Sonaron en el programa: The Hi-Fly Orchestra, Calimbo Steel Band, Shango, The ESSO Trinidad Steelband, Sapodilla Punch, Gay Flamingo ´s Steel Band, Original Tropicana Steel Band, Little Tempo y Dutch Rythm Steel & Showband
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ENTREVISTA A TERRAKOTA

LOS NUEVOS SABORES DE LA “MISTURA” LUSA

En su cuarto disco: World Massala, Terrakota sigue derrumbando
barreras para fusionar músicas y reunir a personas de todos los
lugares del planeta. Con la ayuda de un sorprendente grupo de
invitados, los embajadores de la multiculturalidad portuguesa
continúan ampliando sus horizontes musicales llegando a
lugares como Rajasthan, Angola o la India, sin dejar de lado los lugares comunes a los que nos tienen acostumbrados.

Más de diez años desde la fundación de Terrakota, si no me equivoco…
Júnior: “ Una década ya…Empezamos en 1999 a través de una viaje que hicimos a África Occidental tres de los miembros, con el objetivo de la percusión africana, pero donde al final nos quedamos “colgados” con influencias más melódicas. De ese viaje salieron dos embriones de músicas, pero sólo con tres elementos no podíamos desarrollarlos así que a partir de ahí, con la entrada del resto de músicos creamos el actual proyecto. El proceso se creó muy lentamente y de una manera totalmente auto gestionada. No fue la historia de un grupo que empieza a tocar en un club y entonces aparece un tío de una discográfica y firma y empieza a girar. Fue lento, con mucho trabajo y de mucho amor”.
Romi: “Después de un año de trabajo llegó nuestra primera actuación, y nuestro primer disco a los dos años”.
Todo un recorrido que llega hasta nuestros días en los que estáis presentando vuestro cuarto disco: World Massala, un título que es toda una declaración de intenciones en cuanto a la definición de lo que es vuestra música.
J: “Sí. Hemos creado intencionadamente una definición para nuestro sonido”.
R: “Todo viene de nuestro viaje a la India. La palabra massala significa la mezcla de especias usadas en la cocina india por lo que pensamos que era un buen nombre para llamar a nuestra propia mezcla”.
La formación de Terrakota surge de un viaje, y la idea de este disco sale de ese viaje a la India que comentáis.
J: “Así es. Fue un viaje que hicimos el verano pasado durante el mes de agosto. Todo surge a través de un grupo de jóvenes de Bombay que tenían proyectado hacer un festival en el que se mostrara, por un lado la cultura y la música tradicional india, y por otro lo que se estaba haciendo fuera”.
R: “Yo pienso que estaba enfocado en un principio al tema de la percusión”.
J: “Sí, a la percusión pero fusionada con las tendencias más modernas, e incluso electrónicas. El caso es que consiguieron un montón de logística y financiación para poder hacerlo en la parte del Himalaya indio, en Ladakh, una zona a la que acude mucha gente de vacaciones, a caminar etc. Y como ellos sabían que era una zona muy concurrida, a la vez de ser un lugar mágico, pues decidieron que era el lugar perfecto para realizar el festival. Se pusieron en contacto con nosotros vía internet, creo que por myspace, y al final conseguimos ir para allá todo el grupo, nuestro técnico, nuestro manager, e incluso un cámara amigo nuestro que vino a grabar un documental sobre la experiencia: Terrakota en la cima del mundo.
La verdad es que la experiencia ha sido hermosa ya que además de ser músicos, nos gusta sentirnos viajeros y aprovechar cada oportunidad para empaparnos de la cultura del país en el que estamos. Para ello hace falta tiempo y en India fue muy bueno porque disponíamos de dos semanas, y encima caímos en el sitio perfecto ya que todo estaba lleno de músicos y la comunicación con todos ellos se produjo de una manera totalmente natural. Los cinco días de festival fueron los más fuertes en cuanto a absorción de elementos, pero los siguientes, aprovechando que estaba con nosotros nuestro técnico de sonido con su mini estudio, los utilizamos para grabar. Ya teníamos un boceto del single World Massala hecho, pero sin definición alguna, y cuando llegamos al festival y conocimos a Mahesh, Vasundhara y Rajasthan Roots, lo montamos enseguida y aprovechamos para grabar junto a ellos otro tema más”.
¿Viene entonces la sonoridad del disco marcada por el viaje, al igual que sucedió con Oba Train?
J: “Ya teníamos la influencia india en nuestra música, pero no estaba afirmada ya que todavía no teníamos el conocimiento necesario para ello. Quizás ahora estemos en un cincuenta por ciento de conocimiento, pero hasta ahora era mínimo. En el single de Oba Train: E Verdade ya aparecía el sitar, pero es cierto que este viaje nos ha abierto las puertas para conocer un poco más el amplio y fabuloso mundo de la música india”.
R: “Yo pienso de todas formas que todo lo que nos pasa en los viajes, lo que asimilamos y el aprendizaje que adquirimos no es inmediato. Tiene que pasar un tiempo hasta que lo interiorizas y empieza a salir realmente. Tal vez dentro de dos años sea cuando nos salga todo. Eso mismo nos pasó con Senegal donde fuimos por primera vez en 2004 y donde Nataniel y David han vuelto en varias ocasiones para estudiar todo el tema de la percusión. El reflejo de todo eso se está pudiendo ver ahora que ha pasado cierto tiempo”.
¿Es este el disco en el que las colaboraciones juegan un papel más importante?
J: “Claro que sí. Tienen un papel muy importante ya que caracterizan cada música. Han participado Kumar en una canción, Mahesh Vinyakram en dos temas, Vasundhara Das en otra con Rajasthan Roots, y también está el cantante angoleño Paulo Flores”.
R: “Había participado con él y había que aprovechar la ocasión para incluirle, ya que es un artista de una calidad, tanto musical como personal muy grande. Para mí es el mejor cantante actual de Angola ya que además de su poesía, es un músico muy abierto. No sólo canta sembas”.
El disco lo habéis grabado en Lisboa, y en una habitación de hotel…
J: “Realmente hemos grabado en muchos sitios”.
Nataniel: “Sí. La primera parte del disco la grabamos en Lisboa. Grabamos cuatro canciones y me fui a Senegal con el material para grabar con mis amigos músicos de allí. Principalmente mbalax, la música tradicional de allí, que es la que intentamos hacer nosotros”.
J: “En el caso de India es como te comentaba antes. Todo lo grabamos en la habitación del hotel en el que nos alojábamos con el mini estudio del técnico”.
Ahora que ya está el disco preparado, toca girar y presentarlo.
J: “Tenemos ya los lanzamientos. Vamos a Bélgica, Francia, a Inglaterra por primera vez y vamos a ver qué es lo que sucede. Tenemos cinco fechas allí. En Portugal presentamos en Oporto y Lisboa, y aquí en España estamos preparándolo ahora, así que espero que en breve podamos dar fechas”.
Además de Terrakota, tenéis otros proyectos en marcha. ¿Cómo va la Kotacool Afrobeat Orchestra?
R: “Pues ahora está parado con todo lo del disco. Durante el último año hemos estado muy centrados en él y no tenemos tiempo para todo”.
A pesar de la cercanía física entre España y Portugal, a nivel musical las relaciones no son nada fluidas y son pocas las propuestas que desde el país luso nos llegan. ¿Qué grupos o artistas nos podríais recomendar?
J: “Pues un montón la verdad. Cool Hipnosie que es una banda de funk que de hecho también han participado en World Massala”.
R: “En Portugal está pasando que muchos de los músicos de bandas como por ejemplo Cool Hipnoise, forman luego otros proyectos alternativos para poder seguir tocando, y gente de Cool Hipnoise tiene otro proyecto muy interesante, más electrónico que se llama Orelha Negra. Está también Kumpania Algazarra, que hacen una especie de balkan beat, y O´questrada es una buena banda también”.
J: “Legendary Tiger Man son también muy buenos. Hacen rock and roll pero muy bien. Es un chico casi en plan one man show. Bela Nafa, Khatarsis u Olive Tree también son grupos a tener en cuenta.
Recomendadnos algún sitio interesante a nivel musical para ir en Portugal.
R: “Te puedo recomendar un sitio buenísimo que a mí me gusta mucho y no es muy grande que se llama Music Box. No hay realmente muchas salas en Lisboa de directos, pero este sitio es un sitio muy diverso con muy buena programación. Luego en clave más jazz, pero no exclusivamente, está el Onda jazz”.
N: “El Club Ferroviario en un sitio nuevo y pequeñito que tiene un escenario, y es un lugar muy bonito y agradable para ir”.
J: “Lisboa está pasando por un situación de crisis de espacios. Se abre un sitio bueno y no sabemos por qué, pero van a por él y acaban cerrándolo. En Oporto hay también un buen local que se llama Contagiarte donde están haciendo, no sólo buenos conciertos sino también teatro, proyecciones de cine, danzas etc.”.
¿Y para comprar discos?
N: “Yo os puedo recomendar una feria que hay todos los martes y sábados en el barrio de Graça que se llama La Feria da Ladra, donde hay un hombre que pone un puesto con discos muy interesantes y variados”.
J: “Esta feria es como el rastro en Madrid”.
¿Qué suena en la furgoneta de Terrakota últimamente?
R: “Yo pongo mucho a Paulo Flores”.
J: “Yo a Orlando Pantera, estoy totalmente enganchado a él. Es un músico de Cabo Verde”.
N: “Música africana en general. También mucha música de América Latina. De Cuba no tanto, pero de Perú a Novalima, Colombia etc.”.

PUBLICADA EN LA REVISTA RITMOS DEL MUNDO POR BRUNO FREIRE LEÓN

DESPEDIDA Y ALTON ELLIS WEEKEND

Tras más de siete años en las ondas de Radio Vallekas, el pasado domingo , La Pollería ha emitido su último programa en la emisora. A partir del domingo que viene, La Pollería se muda y se traslada a Radio Enlace en horario de 21 a 22 horas. Mismo equipo, mismo espítiru y filosofía, pero en una nueva plataforma de emisión. Podréis seguir escuchando los programas en las vías habituales o a través de www.radioenlace.org.
Además de las despedidas, en el programa charlamos con Jaime Bajo sobre Alton Ellis Weekend que se va a celebrar esta semana en Madrid. En el Polletín hablamos de los bolos del Papa, los cambios gramaticales y con el Rasta (que venía sin noticias). Además, Pepe Joansito Castaño se asomó para despedirse, Záver y Ville nos acompañaron en este programa especial, y sonaron: Anita O ´Day, The Bowerbirds, Alton Ellis, El Tio Carlos, Thelonius Monk, Fred Astaire y Big Bad Voodoo Daddy.
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SEGUN BUCKNOR

SEGÚN BUCKNOR
Who say i tire
VAMPISOUL/ AFROBEAT
Durante los convulsos años en los que la música nigeriana, y por ende la africana, se desarrolló y evolucionó, a lo largo de Nigeria, Ghana, Benin y otros países surgieron multitud de artistas con el mismo ideario musical y político que el propio Fela Kuti. Segun Bucknor fue uno de ellos. Perteneciente a una familia con alta tradición musical, su paso por EE.UU marco el devenir de su música al igual que le ocurrió a Fela. Ya fuera junto a Hot Drops, The Asembly o los definitivos The Revolution, Bucknor compuso y desarrolló todo un repertorio de canciones de alto contenido y conciencia político y social, desarrollado en base a su propia expresión africana de funk y soul.
Who Say I Tire es el recopilatorio más completo publicado hasta la fecha de esta figura clave en la música nigeriana. No faltan sus míticas canciones Sorrow Sorrow, Dye Dye, Poor Man No Get Brother etc. Completadas con las menos conocidas como Gbmojo o la versión acústica de La La La.
Bucknor puso fin a su carrera musical en 1975 para dedicarse al periodismo, aunque todavía es posible verle actuar de vez en cuando por Lagos. No solo de Fela vive el afrobeat.
PUBLICADO EN LA REVISTA RITMOS DEL MUNDO POR BRUNO FREIRE LEÓN

BOLA JOHNSON

BOLA JOHNSON
Man No Die
MUNSTER-VAMPISOUL/ HIGHLIFE
De los archivos de Phillips en Nigeria, aparece la primera recopilación que aúna lo más destacado de la trayectoria de este músico clave (aunque un tanto desconocido) en la historia de la música nigeriana.
Bola Johnson posee una maravillosa voz, así como una manera de tocar la trompeta que se amoldan de una manera única a la multitud de estilos con los que construyó un maravilloso repertorio, recogido en esta colección. Highlife, Afro-funk/blues, Afrobeat o Calypso adornan la obra de este artista que, quizás no tuvo la repercusión de coetáneos suyos como King Sunny Ade o Victor Olaiya, pero es una referencia de la música popular de aquella época en el continente africano.
A pesar de la calidad de sus composiciones, su predilección por unos sonidos considerados del pasado dejaron de interesar a su compañía por lo que el trompetista nigeriano abandonó la escena profesional musical a principio de los 70. Actualmente Bola Johnson vive en Lagos, sigue componiendo y ansia poder grabar de nuevo.
Man No Die es una pieza más del puzle sonoro que Vampisoul está realizando de aquella vibrante época.
PUBLICADO EN LA REVISTA RITMOS DEL MUNDO POR BRUNO FREIRE LEÓN

MIGUEL ZENÓN

MIGUEL ZENÓN
Esta Plena
UNIVERSAL/ LATIN-JAZZ
Mezclando la sofisticación teórico musical con la fuerza y la sabiduría de la calle, la música de Esta Plena supone un paso adelante en la carrera del saxofonista y compositor Miguel Zenón. El disco está basado en la plena, un género tradicional y original de Puerto Rico, la tierra natal de Zenón, pero reinterpretada y puesta al día con la sensibilidad, las técnicas y las herramientas del jazz del siglo XXI. Esta Plena puede ser visto como una continuación de Jíbaro, el brillante trabajo de 2005 en el que el saxofonista reinterpretó la música jíbara (campesina) de Puerto Rico.
Partiendo de un elemento tan folclórico como es la plena: un producto de la colonización española, combinando síncopas rítmicas africanas con armonías y cadencias europeas, Zenón ha pergeñado un auténtico trabajo de latin-jazz, que va más allá de los parámetros hasta ahora desarrollados en el género. Zenón está llamado a ser, y así lo demuestra con este álbum, una de las figuras clave en el desarrollo y evolución de un género muy necesitado de nuevos talentos. En una palabra, impecable.
PUBLICADO EN LA REVISTA RITMOS DEL MUNDO POR BRUNO FREIRE LEÓN

FRED WESLEY

FRED WESLEY
With a little help from my friends
ZYX-INDIGO RECORDS/ FUNK
Peculiar es la trayectoria de este trombonista y compositor, considerado uno de los arquitectos del funk. Fred Wesley se inicia en el mundo del jazz de la mano de Count Basie y, en poco tiempo, ya estaba al lado de James Brown formando parte de los legendarios JB’s Horns junto a Maceo Parker y Pee Wee Ellis. Como líder de banda realizó sus primeros experimentos a finales de los 70, pero no logró consolidar su carrera en solitario hasta la década de los 90. Desde entonces no ha parado de entregar discos además de colaborar en un sinfín de álbumes. Ahora, Wesley nos presenta este nuevo trabajo en el que vuelve a caminar sobre la senda del funk, escorándose sin embargo en esta ocasión hacia el lado del funk-jazz. A pesar de ese tempo sosegado y aire jazzístico, Wesley proporciona dosis de soul en Swedish Funkballs, robusto funk en Homeboy, vibrante Rhythm and Blues con Everywhere is out of town, y hasta un coqueteo con el hip hop en Ashes to Ashes. El título hace referencia a la participación de varios de sus amigos como Nils Landgren, Willi Amrod, Bruce Cox o Dwayne Dolphin en la grabación del disco. Bruno Freire León
PUBLICADO EN LA REVISTA RITMOS DEL MUNDO POR BRUNO FREIRE LEÓN

ENTREVISTA A GECKO TURNER

El dicho: “nadie es profeta en su tierra” se adapta a la perfección a la figura de Gecko Turner. Con un reconocimiento internacional mucho más significativo que en nuestro país, el extremeño publica, tras cuatro años de espera, su tercer álbum en solitario. Gone Down South, grabado entre Extremadura, Madrid, Londres, Los Ángeles o Texas.

Nuevo disco: Gone Down South tras cuatro años de silencio. ¿Cocinándolo a fuego lento?
“Pues la verdad es que sí, pero más que de manera intencionada, las circunstancias en las que he estado han propiciado que la cocina funcionara a ese ritmo, y merece la pena esperar si al final consigues aproximarte a lo que quieres hacer”.

Tercer disco en solitario. ¿Será éste el álbum de consagración del sonido y la carrera de Gecko Turner?
“Pues no lo sé, pero con que le guste a un montoncito de gente y pueda provocar unas cuantas actuaciones en directo, pues ya sería más que suficiente. El tema de consagraciones y demás ya es algo que tiene que decir la gente”.

¿Qué vamos a encontrarnos en este nuevo trabajo?
“Realmente no tengo muchas pretensiones de contar muchas historias, más que nada hacer referencia a algunos temas y envolverlos en canciones sencillitas, arropadas por los grandes músicos con los que tengo la suerte de trabajar”.

Grabado entre Londres, Extremadura, Texas, Madrid, California…
“Sí…Es una cosa que resulta más sencilla llevar a cabo hoy en día que hace veinte años cuando había que trabajar con las enormes cintas de grabación. Ahora con un pequeño disco duro puedes llevarte todo de un lado para otro, abres la sesión en Londres, Los Ángeles o donde sea y puedes seguir grabando cosas, añadiendo cosas a la canción o mezclando o editando. La verdad es que el mundo digital ha traído ciertas desventajas a la música, en el sentido de la caída de las ventas etc. Pero también ha aportado el lado positivo de poder trabajar de esta manera”.

¿Fueron premeditadas éstas sesiones de grabación, o según estabas en…
Texas por ejemplo surgía la idea?
“Según iban saliendo las cosas. Si a lo mejor estaba en Texas unos días y podía quedar con mi amigo el baterista Branne Temple, que ya grabó unos temas en mi disco anterior, pues organizábamos una sesión con él y otros músicos. También de manera casual, dos semanas después en Los Ángeles, estuve editando y mezclando lo que habíamos grabado con: Sunny Levine, un chaval joven que es un fenómeno como productor, al que tuve la suerte de conocer en una reunión en la discográfica de allí, y que viene de una familia con mucho pedigrí en el mundo de la producción. Es hijo del prestigioso Stewart Levine y nieto de Quincy Jones…”.

Han sido cuatro años viajando, tocando, y conociendo mucha gente como nos cuentas ¿Pero qué encuentro destacarías?
“He tenido la suerte de disfrutar del talento de un montón de músicos en muchos sitios diferentes, pero intentando recordar a alguien muy especial para mí, me quedaría con el trompetista Ray Harlowe. No he tocado con él, ya que yo tengo un trompeta de cabecera que es Irapoan Freire que me ncanta como toca, pero sí tuve la suerte de conocerlo, ir a un concierto suyo y después estar cenando y tomando algo por ahí”.

¿Habrá versión “manipulada” de Gone down South?
“Eso habrá que preguntárselo a los LoveMonk Brothers (LoveMonk es el sello que edita el disco de Gecko Turner) que son los ideólogos de estas cosas. En principio me consta que ya hay dos temas que han sido remezclados, Truly y When I Woke Up, que pronto saldrán en una edición de vinilo que llevará los originales por una cara y los remezclados por la otra. Lo que no sé es si al final habrá una versión “manipulada” o irán saliendo las remezclas en vinilo”.

¿Gecko Turner es el claro ejemplo de que nadie es profeta en su tierra?
“Puede ser…Me consta que por aquí hay mucha gente a la que le puede gustar la onda de lo que hago, pero sí es verdad que el grueso de los que me siguen es de fuera de España. Eso viene condicionado por muchos aspectos ya que la música que yo hago, que intento hacer o a la que me intento aproximar es una música de raíz afroamericana, con muchos temas cantados en inglés, y eso encaja casi más en la música tradicional de países como EEUU por ejemplo. Me resulta lógico pensar que haya allí más gente interesada en lo que hago ya que por aquí hay otras líneas musicales que tienen muchos más adeptos que la mía, como la cosita ésta de la rumba pachanga por ejemplo”.

¿Cómo y cuando se produce el proceso de pasar de Fernando Gabriel Echave a Gecko Turner?
“Pues fue a principios de los noventa, el día que rellené los formularios para registrar mi primera canción como autor en la SGAE. Dentro de los campos que había que rellenar había un espacio en el que te invitaban a poner un pseudónimo, y ahí surgió lo de Gecko Turner ya que me gustó como sonaba, en esa época en la que yo acostumbraba a cantar en inglés, y sin ser consciente de que iba a ser mi nombre de trabajo ya para los restos. Lo de Gecko viene porque en el barrio de las 500 de Badajoz, donde yo me crié, solían poner motes y a mí me pusieron Keko, que se transformó en Gecko cuando me fui a vivir a Londres. Me gustaba más la adaptación londinense del apodo, que además tiene significado ya que Gecko significa: pequeño lagarto que vive en los países cálidos, y ya se quedó tal cual. Y lo de Turner pues por poner un apellido de músicos y artistas a los que admiraba”.

¿Qué suena últimamente en el reproductor de Gecko Turner?
“Lo último que he estado escuchando, ayer precisamente con Diego Antúnez, un flautista y saxofonista que colabora conmigo, fue un disco de flamenco que va a salir dentro de poco y que tuve la suerte de producir, de un cantaor de Jerez que se llama Fernando “Terremoto”, y creo que es de las cosas más interesantes y emotivas que he hecho en mi vida ya que Fernando se murió en febrero de éste año y no va a poder disfrutar de su trabajo. Al menos esperamos que el público sí pueda disfrutar de su arte y de sus canciones. Y además de él, pues escucho lo de siempre, clásicos como Ray Charles, Marvin Gaye o Curtis Mayfield suenan todas las semanas, y hace un par de semanas, viniendo en coche desde El puerto de Santa María me sacó un colega un disco de un tipo de soul que conocía de nombre pero no tenía controlado llamado Shuggie Otis que me pareció fabuloso”.

Además de tus discos, ahora que hablamos de Fernando “Terremoto” ¿Hay alguna otra producción o colaboración que hayas hecho últimamente?
“Lo de “Terremoto” es lo último, pero antes de eso estuve produciendo un montón de temas para el disco del Reverendo Gené García, un músico de funk, blues, góspel que aún no ha salido, y también compuse y produje un par de temas para una cantante de jazz, blues y esta onda de San Francisco pero afincada en Alemania que se llama Brenda Boykin. La música es mi vida, está claro, y hay músicos que me encantan y me envuelven, pero la emoción y lo que me transmiten los grandes cantantes como Brenda, la verdad es que me apasiona. Tengo gran debilidad por los grandes cantantes.
Y en cuanto a colaboraciones, pues he hecho una cosita para un disco de un músico en Austin( Texas), que hace una onda de cumbia electrónica, que nunca ha sido ni mi estilo ni mi rollo, pero él estaba muy interesado en trabajar conmigo así que me fui para allá y durante una semana estuve con él en su estudio haciendo un tema que se llama: Hey Mano, Hey Mana. El proyecto se llama Charanga Cakewalk y creo que aún no ha salido. Lo que sí salió fue la colaboración que hice junto al grupo peruano Novalima en su último disco”.

Si no fuera Extremadura ¿Dónde viviría Gecko?
“Probablemente cerca de la esquina de la calle 149 con Saint Nicholas en la parte alta de Manhattan, en Harlem. He estado allí unas cuantas semanas un par de veces y me encanta. Además está mi garito de noche favorito de Nueva York, Saint Nichs, que es donde van todos los músicos del barrio a hacer Jam Sessions. Es un bar que merece la pena visitar porque se sale de todo el estereotipo musical jazzero que hay en el Down Town, que son esos sitios tan caros y de tiros largos como puede ser el Blue Note. Éste no, es como si fuera un bar de toda la vida con los músicos tocando, sin que te cobren nada por entrar y hasta donde te puedes sacar la bebida y sentarte en la calle. Allí, en Harlem, sí me gustaría vivir una época”.

¿Cuánto pesa un limón en la cabeza?
“Esa pregunta es interesante… Hacía tiempo que no me hacían una pregunta que me exigiera tanto rigor científico a la hora de responder, pero te diré que en mi caso pesa bastante porque de alguna manera, el arrastre que produjo el limón cuando salió, me ayudó y fue una canción que me abrió un hueco en el panorama musical, por lo que siempre será un peso agradable de llevar. El saber que ese tema ha sido el que ha propiciado que después pueda sacar más discos y más cositas, hace que le tenga especial cariño”.

PUBLICADA EN LA REVISTA: RITMOS DEL MUNDO POR BRUNO FREIRE LEÓN

The Roots of Chicha 2”

VV.AA
”The Roots of Chicha 2”
Crammed/ Nuevos Medios, 2010 Esta vez es el sello belga Crammed el que nos ofrece un trabajo de auténtica arqueología musical. The Roots of Chicha 2 es el segundo volumen que rescata parte de la música tropical de Perú, en concreto del género denominado chicha, que no era más que el término que se utilizó para llamar a la cumbia peruana de manera algo despectiva, dado el origen humilde de la gran mayoría de los artífices de ésta. Baste mirar la fotos incluidas en el interesante e ilustrador libreto para darse cuenta de lo que hablamos. Se utilizó el nombre de chicha ya que es una bebida de ancestros incas, hecha con maíz, muy barata de producir y muy consumida entre las poblaciones indígenas de donde surgió el movimientoYa hemos hablado con motivo de otros recopilatorios hermanados con éste de la fertilidad que vivió la música latina durante las décadas de los sesenta y setenta. Entre 1968, cuando Enrique Delgado (pionero de la chicha) hizo su primera grabación para Odeon, y finales de los setenta, Perú experimentó una formidable revolución musical, asimilando, principalmente, dos géneros que venían de fuera y parecerían ser incompatibles: la cumbia colombiana y el rock estadounidense, que por aquellos años estaba adoptando un espectro alucinógeno, experimental y místico que comenzó a llamarse por sí sólo: psicodelia. Pues bien, en el país andino donde el género popular hasta entonces habían sido los valses, las marineras y hasta la polka tocadas con guitarra española, éstas se vieron relevadas por la inclusión de la guitarra eléctrica como principal instrumento melódico y un sinfín de géneros además de los citados. La cumbia y la psicodelia dieron paso a la fusión con guarachas, guajiras, boogaloo, surf, música oriental y ritmos brasileños. Grupos y artistas peruanos como Los Destellos, Los Mirlos, Los Ilusionistas, Compay Quinto, Grupo Celeste o Manzanita y su Conjunto entre otros, y rescatados en esta recopilación, se imbuyeron en ese caldo de cultivo tan creativo como desconocido. Afortunadamente algunos sellos se dedican a reeditar parte de aquellas joyas olvidadas que hoy, curiosamente, suenan más cautivadoras que nunca.
Publicado en la revista digital B!ritmos por Bruno Freire León

“Flipper Psychout”

VV.AA
“Flipper Psychout”
Vampisoul

No nos cansaremos de alabar la labor de recuperación sonora que Vampisoul lleva realizando los últimos años. Es cierto que quizás no sean los discos que más copias o mayor difusión vayan a tener dentro de un mercado saturado de propuestas, pero los más exploradores o curiosos, encontrarán en el sello una verdadero catálogo de sorpresas y tesoros como este Flipper Psychout.
Del vasto archivo sonoro de la compañía Flipper Music, una de las editoriales de música de librería más importantes de Italia, surgen los 26 cortes que conforman este recopilatorio. Canciones grabadas entre 1969 y 1975 que sacan a la luz la creatividad y versatilidad de parte de los compositores más importantes de la época en el país transalpino, y cómo con pocos recursos fueron capaces de reinterpretar el espectro del rock y la psicodelia de finales de los sesenta y principios de los setenta, según este estilo de música de librería.
Música reeditada ahora por primera, de películas, de thrillers, de anuncios y hasta música totalmente bailable fluye en esta recopilación.
La selección corre a cargo del Dj italiano Alessandro Casella, que a pesar de ser residente en algunos de los clubes más importantes de Roma, también compatibiliza su tiempo como asesor artístico de Flipper Music, por lo que conoce muy bien el archivo de la compañía.
La intención de los autores y responsables de este trabajo es sacar más ediciones que recojan este valiosísimo material, de ahí que este primer volumen tenga un sonido oscuro, ambiental, agresivo y lleno de efectos que muestran las inquietudes de compositores como Alessandro Alessandroni (el famoso silbador de las bandas sonoras que Ennio Morricone hizo para los spaghetti western), Roberto Conrado, Amedeo Tommasi o Renato Conrado.
Una nueva pieza para mostrar e incluir en la discoteca de los coleccionistas sonoros.
Publicado en la revista digital B!ritmos por Bruno Freire León.

Exprimiendo la actualidad y entrevista a Ronin T.S.A

En la última edición de La Pollería, hemos exprimido la hora y los contenidos que la catualidad nos ofrece. En el Polletín tuvimos premio Gilipollo de oro además de otras noticias de calado que nos han posibilitado sacar nuestra faceta de tertulianos baratos, el Reportero Chumbero nos habló de cómo la desgracia de los mineros chilenos se ha convertido casi en un reality y en una plataforma de marketing para las empresas, Villegas volvió a traernos las sorpresas de la red, y conocimos y charlamos con los conquenses Ronin T.S.A. Y por si fuera poco hemos escuchado a : Granadians del Espacio Exterior, Diplomats of Solid Sound, Seu Jorge y Buritaca 200. Paco Montoyah sigue perdido en los montes de Avylón haciendo proclamas amorosas al viento.
La Pollería no se hace responsable, ni de las opiniones vertidas ni del festival del humor por parte de sus miembros y miembras.
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Seu Jorge & Almaz

Seu Jorge & Almaz
“Seu Jorge & Almaz”
Cafuné/Nuevos Medios 2010
Nuevo requiebro musical del músico, y en ocasiones actor brasileño. Como ya hiciera en Life Aquatic Studio Sessions 2006, Hollywood Records), Jorge vuelve a desmarcarse de la línea marcada en sus anteriores trabajos, hecho que avala la credibilidad de una carrera versátil, creativa y portentosa.
Seu Jorge & Almaz es un proyecto integrado por Seu Jorge, el batería Pupillo, el guitarrista Lucio Maia y el bajista y compositor Antonio Pinto.
La unión de estos cuatro músicos surge tras el encargo de grabar una canción para la última película del director de cine Walter Salles. Parecer ser que el proceso de creación y grabación estuvo bañado de una magia especial, por lo que decidieron grabar un álbum completo, libre de cualquier cliqué o premeditación que incluyera toda la música que, desde siempre, les había emocionado e inspirado.
Seu Jorge & Almaz es un disco de versiones pero con un leimotiv, tanto en sonido como en orden de canciones como en repertorio. A pesar de mezclar canciones originales del cancionero de la música popular brasileña como Cristina de Tim Maia, Tempo de amor de Vinicius de Moraes o Cirandar de Martinho de Vila, con composiciones provenientes de la música norteamericana como Everybody Loves The Sunshine de Roy Ayers o Rock With You de Michael Jacskon, y hasta con The Model" de los germanos Kraftwerk, y por supuesto Bowie, el álbum contiene una coherencia digna de destacar. El acierto en la elección del productor, el ya de sobra conocido Mario Caldato Jr., es un hecho clave en todo ello. No siempre la labor de los productores es tan significativa en un trabajo, pero en éste es innegable la aportación. Seu Jorge & Almaz posee un sonido maravilloso y embriagador, lleno de ecos, deelays y atmósferas sonoras que te abducen y te llevan por un viaje musical a lo largo de sus catorce cortes. De esta manera consiguen conformar esa unidad y congruencia, por lo que es recomendable escucharlo de principio a fin, y sin interferencias, para dejarse llevar por él.
Placer y deleite. Web. // Relacionados. Bruno Freire León

Domingo 17/10/10. POLLIDEROS!

Execelente primera edición de Pollideros de la temporada, esta vez de la mano de Seve Funk. Añeja y exiquista selección musical, que al igual que le sucede al vino o al licor, con los años gana e...n sabor, olor y textura. Abrimos el programa con Lulu Reed, y luego llegó la descarga de R&B: Louis Jordan, Big Joe Turner, Howlin ´Wolf, Big "T" Tyler, Joe Tex, Floyd Dixo, Rufus Thomas, The Swallows, Donald Byrd y The JB´s.
http://aplenosoul.blogspot.com/
Tuvimos Polletín, Rastaman estuvo de cuerpo presente, y de Paco Montoyah nos llegan noticias de que se le ha visto por Chueca con una maleta vacía.
la_polleria@yahoo.es
PD: "Me cago en el amor" Rasta dixit.
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Entrevistas a Fanga y Afrobeat Project

Con motivo del Fela Kuti´s Day, que se va a celebrar en Zaragoza, Sevilla y Madrid, hemos charlado (y somos el primer programa de radio en España que lo hace) con el grupo francés de afrobeat: Fanga, una de las bandas más representativas del género en Europa, así como con la Asociación Afrobeat Project, encargados de organizar los eventos. Tuvimos Polletín, como no, y sonaron en el programa: Saravah Soul, Fanga, Bola Johnson, Fela Kuti, Wganda Kenya y Segun Bucknor. De Paco Montoyah seguimos sin tener pistas de su paradero, pero no pasa nada ya que desde que no está, el programa sale mejor...
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Palenque, Palenque: Champeta Criolla & Afro Roots in Colombia 1975-91

VV.AA
Palenque, Palenque: Champeta Criolla & Afro Roots in Colombia 1975-91
Soundway records/ Nuevos Medios

Recopilatorio que recoge la fascinante historia de cómo la música afro colombiana creció y se desarrolló a partir de los años 70, así como del importante papel que jugaron los Picós (sound system colombiano) en la configuración del sonido de la champeta colombiana y en el panorama de la música afro colombiana.
Cuenta la historia que el primer Picó se funda en 1939 en Barranquilla, y que a partir de ese momento comienzan a surgir varios por toda la ciudad. Ritmos latinos, canciones de verbena, música jamaicana y popular se funden en los altavoces de estos sound-system made in Colombia, hasta la llegada de los primeros discos africanos a principios de la década de los 70 que revolucionarán ese panorama. La aparición de estos discos marca la verdadera toma de conciencia de la relación y de la similitud de rasgos musicales y culturales que comparten con el continente africano. Es en ese momento cuando los grupos y artistas locales ponen en orden su herencia y su raíz, y comienzan a experimentar con sonidos que, resultan novedosos para sus oídos pero nada desconocidos para su naturaleza y espíritu. Palenque, Palenque: Champeta Criolla & Afro Roots in Colombia 1975-91 se conforma con veintiún cortes de toda esa escena, donde el oyente va a poder escuchar los primeros registros de afrobeat en Colombia de la mano de Wganda Kenya, género que posteriormente utilizaron, también presentes en el disco, grupos como Son Palenque o la Cumbia del Siglo XX. No faltan por supuesto típicos Palenques como el de Manuel Álvarez y sus Dangers, soukus como el practicado por Abelardo Carbono y su Conjunto, las cumbias de Pedro Beltrán, ni el mítico acordeón de vallenato de Lisandro Meza.
Sin género de dudas, uno de las más sorprendentes, originales e interesantes recopilaciones del año.// Publicado en la revista digital B!ritmos por Bruno Freire León

Enrique Morente

Enrique Morente
Morente+Flamenco
Universal Music Spain, 2010

Me llena de orgullo poder presentaros el último disco del cantaor más innovador, original, creativo, inquieto, atrevido y emblemático del panorama del Flamenco actual. Quizás Morente no sea el mejor dotado naturalmente con su voz, pero sí es uno de los más grandes a la hora de llevar el flamenco por derroteros nuevos y enriquecedores, y ser uno de los mayotes conocedores de la tradición, la historia y la idiosincrasia del género.
Morente+Flamenco supone el precedente musical de lo que el granadino nos ofreció en su anterior trabajo Morente Flamenco (Universal 2009). Si aquel disco recogía la etapa de 1992 a 2008, con éste, el precedente se remonta a principios de los 80, años no propicios para el Flamenco. El disco recoge toda una serie de memorables actuaciones, más dos temas en estudio, donde se ofrecen emocionales y emocionantes instantes de la carrera en directo del granadino. Algunas de estas grabaciones no tienen la calidad de sonido, no pasa lo mismo con la calidez, de las grabaciones actuales, pero hay que entenderlas dentro del enorme valor artístico que realmente tienen. Grabaciones en el Teatro Alcalá Palace en 1984, el encuentro Chambao Flamenco de 1989 en el entonces Centro Cultural de la Villa, aquellos Veranos de la Villa que se celebraban en los jardines de Cecilio Rodríguez del Parque del Buen Retiro, la VI Bienal de Flamenco en Sevilla, así como el recuerdo del mítico Café de Silverio ubicado en el madrileño barrio de Malasaña. Todos ellos, momentos de una intensidad tal que difícil resulta no salir indemne. Además de recuperar un legado que pertenece ya a la historia musical de nuestro país, la selección recoge palos tan desconocidos como poco usados como es la jabera. Bulerías, Soleares, Malagueña, Tientos, Martinetes, Toná y las legendarias Nanas de la Cebolla de Miguel Hernández completan el disco.
Flamenco de la vieja escuela, del pegado a la tradición para que no se nos olvide de dónde procede todo lo que después Morente, el más contemporáneo de nuestros cantaores, le dio la vuelta. Que Morente representa todo lo dicho al inicio de la reseña no es casualidad, ya que para llegar a ello hay que empezar por el principio. Ese principio, esos cimientos, esa base es lo que se recoge en este Morente+Flamenco.// Publicado en la revista digital B!ritmos por Bruno Freire León

Hezdzoleh Soundz

Hezdzoleh Soundz
“Hedzoleh”
Soundway Records/ Nuevos Medios 2010

Hedzoleh Soundz fue una de las bandas más peculiares y originales de las surgidas en Ghana durante los años setenta. Highlife, jazz, rock, aliños country, pop y elementos tradicionales africanos se entremezclaban en su música, en una propuesta que encandiló al trompetista sudafricano Hugh Masekela con quien posteriormente grabaron un álbum. A principios de la década de los 70 el oeste africano estaba viviendo una auténtica eclosión musical, y Masekela buscaba músicos de la zona con quienes poner en marcha un proyecto musical basado en el jazz americano. En ese camino coincidió con los grandes nombres de la época como Fela Kuti, Orlando Julius, King Sunny Ade etc. Pero fueron Hedzoleh Soundz los que mejor se amoldaban al patrón que el trompetista tenía en mente, dada la versatilidad y estilo de los ghaneses. Hedzoleh fue grabado justo antes del encuentro con Masekela, pero antes de poder grabarlo el grupo solamente había podido grabar dos singles y desarrollaba su repertorio y composiciones en el club Napoleón, del cual eran el grupo residente. Tras la edición del disco junto a Masekela, el grupo fue decayendo poco a poco en su actividad, lo que llevó a su líder Stanley Tood a iniciar un nuevo proyecto musical y abandonar la formación. A pesar de todo ello, los ecos de la original sonoridad de Hedzoleh Soundz, realmente diferente a lo que se estaba haciendo en su zona y época, han seguido oyéndose y sirviendo de inspiración durante años.// Publicado en la revista digital B!ritmos por Bruno Freire León

Domingo 03/10/10. Magazineando

Auténtico ejercico de magazine el efectuado ayer en el programa. Además del Polletín, JQ nos habló de inventos absurdos del siglo XX, el reportero chumbero: Pollélon se desplazó a la sede del PSM a cubrir la erecciones primarias, escuchamos cantos tiroleses y en el apartado musical sonaron: The Jolly Boys, The JazzInvaders, Uzi Navon & The Aquaintances, Walk on By, Aloe Blacc, The California Honeydrops y Louis Prima.
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Especial Afrobeat con: Alma Afrobeat Ensemble y Ogún Afrobeat Uploaded by La Polleria

La Pollería ha logrado juntar en el programa a las dos bandas de referencia del Afrobeat en nuestro país. Desde Barcelona, charlamos con Aaron Feder, fundador del proyecto Alma Afrobeat Ensemble que acaba de estrenar nuevo disco. Y presentenes en el estudio de nuevo, Ogún Afrobeat, que repiten en La Pollería para hablarnos de la nueva temporada, proyectos, conciertos etc. No faltó el Polletín, y sonaron en el programa: Barrabás, Alma Afrobeat Ensemble, Michael Leonhart & Avramina 7, Ogún Afrobeat y Saravah Soul.

Domingo 19 de septiembre: La Pollería Style.

Primer programa de la temporada sin invitados, hecho que hemos aprovechado para poner en marcha nuevas secciones y hacer un programa al viejo y clásico estilo pollero. JQ inició la serie de "españoles por la nubes", que no sabemos donde nos llevará pero que parece que promete. Tuvimos nuestros "polleros viajeros", esta semana desde Serbia y Montenegro de la mano del Reportero Chumbero. En el Polletín hablamos de que los suicidios han superado a los accidentes de tráfico como primera causa de muerte no natural en España, así como uno de esos estudios que tanto le gustan al El Rasta. Paco Montoyah sigue sin dar señales de vida, Ikim nos abandonó y sonaron en el programa: Mike Patton, Pedro de Morais, Ciro Cordeiros Da mata (Moreno Veloso mix), Saban Bajramovic, Nuru Kane y Barrabás.
la_polleria@yahoo.es

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Prsentación de Planet Babylon y charla Balkatalan Experience

El próximo viernes 17 abre en Madrid un nuevo espacio musical para animar y enriquecer el panorama de la capital hasta altas horas. De todo ello hemos tenido la suerte de hablar con sus responsables,... su pincha de cabecera y con los encargados de inaugurar el club: Balkatalan Experience.
Por otra parte tuvimos nuestro Polletín con el Rasta en la ciudad condal, y el Pollélon se asomó desde Belgrado a saludar. De Paco Montoyah y el resto de polleros, poco se sabe...
Sonaron en el programa: Vinicio Capossela, Maraveyas Ilegas, Calle 13, El Gran Silencio y Choc Quib Town.
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En Sateli 3 de Radio 3

Sinto: Louis prima: "Buona Sera". La primera sesión que tenemos la oportunidad de degustar en su nuevo formato "extended mix": Brillante, imaginativa, sugerente y sorprendente sesión de "Nombres Propios" a cargo de Bruno Freire: La Pollería (Radio Show). Lo más destacado de esta enorme selección: Galt Macdermot's First Natural Hair Band, Fab Samperi, Johnny Moeller, Sarah Jarosz, Michael Leonhart & Avramina 7, Okay Temiz, Mandingo, Arthur Verocai o Edmundo Ros. (10/09/10)Sateli 3 de Radio 3.

Primera supersession de 90 minutos en exclusiva: Bruno Freire!! (Sateli 3)

Entrevista a Gecko Turner, afilando la lengua y ejercitando el maxilar

Primer programa de La Pollería 8.0, temporada 2010/2011. Con un corral algo despoblado por culpa de los excesos nocturnos y las vacaciones tardías, hemos empezado a ejercitar el maxilar y la mandíbula. En estar primera entrega de la teporada, escuchamos la entrevista que tuvimos el placer de hacerle a Gecko Turner con motivo de la publicación de su tercer álbum: "Gone Down South". Tuvimos Polletín con el Rasta ahora desde la ciudad condal, el Pollélon se hizo una sección que.... Y sonaron en el programa: James Knight and The Butlers, Quantic presenta a Flowering Inferno y Gecko Turner.
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SWEET TALKS: "The Kusum Beat"

Sweet Talks
“The Kusum Beat”
Soundway Records/ Nuevos Medios

Sweet Talks pertenecen a esa generación de músicos que, influidos por el influjo de los nuevos ritmos llegados de occidente, agitó y azotó parte del oeste africano durante las décadas de los 60 y 70. Partiendo del highlife como punto de partida y teniendo el funk y la música disco como referencias, la banda de Ghana obtuvo gran reconocimiento a mediados de los 70´ con sus tres primeros discos, hecho que les permitió salir de gira fuera del suelo africano y poder grabar su cuarto disco: Party Time in Hollywood que supuso un éxito de ventas, algo hasta entonces utópico para un grupo africano.

Lo que en estos momentos tenemos entre manos es la reedición del que fue su segundo disco, The Kusum Beat, grabado en Ghana durante 1974. Si bien el sonido del grupo fue madurando y personalizándose con el paso del tiempo, este disco representa la gran versatilidad instrumental de los diez miembros del grupo, así como el amplio espectro estilístico que eran capaces de recoger e interpretar.


Sweet Talks nació en 1973 de la mano de Jonathan Abraham, propietario del hotel The Talk of the Town, del cual toman el nombre de la formación, y en él inician su andadura como grupo residente. Tras varios cambios en su formación, en 1980 se disuelven definitivamente( como pasó con infinidad de bandas) dada la pésima situación social que azotaba la zona, y por ende, la industria musical.

Sería interesante que se rescatara y se reeditara el resto de la discografía de un grupo que, a pesar de no ser muy conocidos en la actualidad, sí gozaron de renombre y respeto en sus tiempos.
Publicado en la revista digital B!ritmos por Bruno Freire León